A travers ce petit tutoriel, je vais vous faire partager ma découverte du sténopé. Ainsi nous verrons aujourd’hui l’étape de la prise de vue et celle du développement. Précisions que mon expérience en la matière est complétement novice. Si vous relevez des erreurs, n’hésitez pas à me les signaler !

MATÉRIEL NÉCESSAIRE :

• Sténopé
• Une lampe rouge dite « inactinique »
• Papier photosensible noir et blanc
• Adhésif
• Révélateur
• Fixateur
• Vinaigre blanc
• Verre doseur
• 3 bacs
• 3 épingles

Tout est réuni ? Alors il est temps de préparer votre laboratoire photo.

Préparation d’un laboratoire photo

Afin de pouvoir développer vos photos, vous devez disposer d’une pièce complètement hermétique à la lumière et si possible disposant d’un point d’eau. Le plus couramment le développement photo « maison » se fait dans la salle de bain. Une fois que vous avez déterminé dans quelle pièce se déroulera la séance, plongez-la dans le noir complet afin de repérer d’éventuelles fuites de lumière. Attendez quelques minuits pour que vos yeux s’habituent à l’obscurité et comblez les fuites avec du tissu noir occultant ou de l’adhésif. Branchez ensuite votre ampoule rouge dite « inactinique » et passons à la préparation des produits chimiques.

Nous allons préparez les 3 bains de chimie, à savoir révélateur, neutre et fixateur. Attention, il y a une règle primordiale à suivre : à chaque produit son matériel ! Le mieux est de se repérer avec un système de couleurs (rouge pour le révélateur, blanc pour le bain neutre et vert pour le fixateur). Pour ma part, j’ai opté pour des boites en plastique basique su lesquelles j’ai annoté au marqueur le nom du produit contenu.

A l’aide d’un verre doseur, diluez dans le bac réservé au bain révélateur 1 dose de produit révélateur pour 9 d’eau et bien le mélanger pour une parfaite dilution. Faite de même pour le fixateur en suivant les mêmes proportions, soit 1 dose de fixateur pour 9 d’eau. Enfin dans le bac réservé au bain neutre, diluez un peu de vinaigre blanc dans un peu d’eau.
L’idéal lorsque l’on développe est d’avoir tous les produits à la même température (aux alentours de 20°C), si ce n’est pas le cas faites en sorte qu’il n’y ait pas plus de 5°C de différences entre chaque solution.

Les proportions que je donne sont celles adaptées aux produits TETENAL. Généralement la proportion est indiqué sur l’emballage.

La prise de vue

Maintenant que nos produits sont prêt et notre chambre noire opérationnelle, il est temps de passer à la prise de vue.

La première chose à faire est de charger du papier photosensible dans le sténopé . Pour ma part, j’utilise un papier photo mat noir et blanc de la marque TETENAL. Ce papier est en quelque sorte votre pellicule, il est sensible à la lumière et l’image qui y sera imprimé sera en négatif.

Pour charger le sténopé, vous devez être dans votre chambre noir, éclairé simplement de la lumière rouge. Fixez le papier sur la paroi opposée à l’objectif (dit « trou » ou « sténopé »). Aidez-vous s’il le faut de Patafix® pour que le papier tienne bien en place.

Refermez ensuite la boite, et à l’aide d’adhésif noir ou de gaffer, confectionnez un obturateur de fortune. Votre sténopé est prêt, vous pouvez rallumer la lumière et procéder à la prise de vue !

Pour votre première prise de vue, je vous conseille de choisir un objet simple avant de vous essayer au portrait. Pour calculer le temps de pose on peut utiliser un posemètre mais je préfère y aller au feeling. Après moultes essais, j’ai réussi à déterminer la dose de lumière nécessaire à chaque condition de prise de vue.

La séance d’aujourd’hui va se dérouler en intérieur. Pour réunir les meilleurs conditions possible et afin de réduire le temps de pose, je rajoute deux spots pour éclairer mon sujet. J’envisage pour ce sujet et ces conditions lumineuses un temps de pose d’environ 8 min. Ce temps de pose est adapté à mon sténopé et au papier que j’utilise. Vous devrez faire vos propres tests :)

Cadrez au mieux votre sujet (il est possible de calculer l’angle de vue du sténopé ainsi que sa focale), retirez l’obturateur du sténopé et laissez la lumière imprimer votre image sur le papier. Faites en sorte que votre sténopé soit le plus stable possible pour éviter tout flouté. Une fois le temps de pose écoulé, rebouchez très rapidement le sténopé.

J’ai l’honneur de vous annoncer que la photo est dans la boite !

Le développement

Cette dernière étape est celle qui va vous procurer le plus d’émotion, il s’agit du développement !
Le développement doit bien entendu se faire dans le noir ou sous lumière rouge.

Pour faire un rapide résumé, le développement consiste à plonger votre négatif dans 3 bains successifs :

• Le bain de révélation : qui va faire apparaître votre image
• Le bain d’arrêt : qui va stopper l’action du révélateur
• Le bain de fixation : qui va fixer votre image sur le papier

Commençons ! Ouvrez votre sténopé (dans le noir!) et récupérez votre papier photosensible en prenant soin de ne pas mettre vos doigts sur la surface sensibilisé. Plongez ensuite le papier dans le premier bain qui est le bain de révélation. Le temps de trempage selon la notice de mon produit est d’environ 1 min mais encore une fois j’opère au feeling et retire mon image lorsque celle-ci me convient. Durant le temps de trempage je remue légèrement mon papier pour que le produit se répartisse bien. La photo apparaît progressivement…

Même manipulation, retirez le papier du bain neutre, égouttez-le au maximum et plongez-le dans le dernier bain : le bain de fixation. Cela va fixer votre image et lui garantir sa durée de vie. Comme pour les bains précédents, remuez légèrement votre papier. Laissez-le tremper durant 2 minutes puis passez au bain de rinçage. Afin d’éliminer tous les produits de votre papier, laissez-le tremper durant 2 min dans de l’eau claire, égouttez-le bien et laissez-le sécher.

Ça y est, vous avez développé votre premier négatif ! Allumez donc la lumière et admirez votre travail ! Il ne reste plus qu’à passer votre négatif en positif. Pour ma part, je scanne mon papier, et le passe en positif sous Photoshop. J’en profite aussi pour lui donner une rotation horizontale. (Quelques exemples ci-dessous)

A vous de jouer !

Isabelle Vieux

Et voilà !

Une petite sélection :

]]> http://www.fill-in.fr/2011/01/04/le-stenope-prise-de-vue-et-developpement/feed/ 3 http://www.fill-in.fr/2010/12/30/utilisation-du-mode-masque-leffet-tilt-shift-ou-maquette-en-quelques-etapes/ http://www.fill-in.fr/2010/12/30/utilisation-du-mode-masque-leffet-tilt-shift-ou-maquette-en-quelques-etapes/#comments Thu, 30 Dec 2010 09:37:20 +0000 Jeremy Barré http://www.fill-in.fr/?p=3732 deuxième tutoriel de cette petite série sur l'utilisation du mode masque pour la retouche photo dans Photoshop. Lire la suite]]>

deuxième tutoriel de cette petite série sur l’utilisation du mode masque pour la retouche photo dans Photoshop. Nous allons cette fois voir comment réaliser rapidement un effet Tilt Shift ou maquette à l’aide de ce mode. Nous avions déjà abordé cet effet il y a un moment… petit rappel pour les anciens donc.

L’effet Tilt Shift est bien connu depuis plusieurs années déjà et certains photographes en on fait leur spécialité. Certains adorent, d’autres détestent… mais peu importe, voyons comment procéder !

Tout d’abord, sélectionnez une photo prise de préférence en plongée, avec de petits détails, comme des personnages, des objets : le résultat n’en sera que meilleur !

Tout d’abord, ouvrez votre photo dans Photoshop (version 5 utilisée). Comme dans le tutoriel précédent. Pressez la toche « D » (1) afin de remettre à zéro vos couleurs de palette. Puis sur « Q » (2) pour passer en mode masque.

Cette fois nous n’allons pas remplir le masque mais le travailler au pinceau.

Sélectionnez donc l’outil pinceau, et choisissez une forme progressive assez large, le réglage dépendant bien entendu de la taille de votre image.

Peignez une ligne traversant votre format au niveau des éléments que vous souhaitez mettre en valeur.

Pressez à nouveau la touche « Q » : vous quittez le mode maque et le reste du format et présélectionné comme dans la capture ci-dessous.

Appliquez maintenant un filtre de flou d’objectif : Menu « Filtre » –> »atténuation » –> « flou de l’objectif »
Cochez la case aperçu et faites vos réglages en fonction de votre photo. Jouez principalement sur le « rayon » pour affiner le traitement et l’adapter à la taille du cliché.

Vous pouvez ensuite appliquer un traitement pour renforcer les couleurs de la photo. Utilisez les calques de réglage dans votre fenêtre de calques, cliquez sur le cercle noir et blanc en bas et sélectionnez « teinte / saturation » puis ajustez les valeurs pour obtenir l’effet souhaité.

Refaites l’expérience jusqu’à trouver le bon réglage !

A vos appareils !

Jeremy barré

A travers nos deux prochains tutoriels, nous allons aborder l’utilisation du mode masque pour la retouche photo avec Photoshop. Dans ce premier exemple, nous allons voir comment simuler facilement une entrée de lumière. Ce rendu, largement utilisé dans la photo de pub ou de mode, apporte un côté vintage à vos clichés. Attention toutefois de ne pas en abuser afin que l’effet reste « naturel » !

Ouvrez tout d’abord votre photo, puis vérifiez que que les couleurs de premier et de second plan sont bien le noir et le blanc. Pour remettre ce réglage à zéro : touche « D » (1)
Activez  maintenant le mode masque avec la touche « Q » ou en cliquant sur l’icône -  (2) sur la capture ci dessous.

Une fois le mode masque activé, remplissez-le en cliquant sur : MAJ + F5 ou menu « édition » –> « remplir »
Cliquez sur « OK » pour valider (3). Vous devriez maintenant voir le masque rouge sur votre photo.

Vous allez maintenant gommer les parties que vous souhaitez traiter à l’aide de l’outil gomme, en prenant soin de sélectionner un pinceau assez large et au contour progressif.

Une fois le gommage effectué, vous pouvez quitter le mode masque : Touche « Q »

Si tout va bien, la zone délimitée précédemment devrait apparaitre en tant que sélection. Il ne vous reste plus qu’à la traiter de façon non destructive en utilisant les calques de réglages.

Dans la fenêtre des calques, créez un nouveau calque de réglage en cliquant sur le cercle noir et blanc (1) puis sélectionnez « courbes ». C’est le seul que nous utiliserons cette fois. Vous pouvez constater que la sélection de votre masque apparait bien à droite de votre calque.

Maintenant, vous pouvez effectuer les réglages sur les zones concernées. D’abord avec la couche RVB, puis en modifiant chaque couche indépendamment à l’aide du menu déroulant comme sur les captures ci-dessous.

Pour ce tutoriel, j’insiste volontairement sur les courbes pour que l’effet soit évident, mais attention à ne pas trop en faire. Cet effet doit rester léger.

Maintenant que votre réglage est fait, vous pouvez revenir sur votre masque et retravailler les zones concernées pour obtenir votre rendu final.

Dans le prochain tutoriel dédié à l’utilisation du mode masque, nous verrons comment appliquer un effet « Tilt Shift » ou « maquette » à vos photos.

A vos appareil !

Jeremy Barré

Pour ce grand retour des tutoriels sur Fill-in, nous allons aborder un thème assez technique et essayer de clarifier simplement les différences fondamentales entre les formats d’enregistrement de photos proposés par nos appareils. Quel format faut-il privilégier ? Pour quelles situations ? À quelles conditions ?

Avant toute chose, je précise que je ne rentrerai pas dans les détails trop techniques (notamment la gestion des couleurs) afin que ce comparatif soit le plus clair possible. Que les mordus de détails m’en excusent, donc !

On ne présente plus le Jpg ! C’est le grand classique, c’est LE format d’image utilisé par tous les appareils depuis le début de l’ère photo numérique. Mais qu’en est-il du format RAW, longtemps réservé au possesseurs de boitiers réflex et disponible aujourd’hui sur la plupart des appareils ?

Commençons par décrire nos deux concurrents !

À notre gauche, le RAW

• N’est pas un fichier image en soi
• Doit passer par votre ordinateur et un logiciel approprié pour être utilisé.
• Format propriétaire (dont les spécifications sont contrôlées par une entité privée)
• Fichier non compressé (il pèse lourd ! plusieurs dizaines de Mo)
• Il comprend l’ensemble des données brutes reçues par le capteur de l’appareil (aucune perte)
• Au moins 8 bits par couleur (Rouge, Vert, Bleu)
• Contient d’avantage d’informations sur les basses et hautes lumières
• N’est pas prêt immédiatement pour impression
• Sans traitement, le RAW parait plus terne et moins contrasté que le JPG
• En lecture seul (ne peut être modifié, sauvegardé, seulement exporté dans un autre format)
• Il paraît qu’il est admissible comme preuve lors d’un procès puisqu’il n’est pas modifiable directement.

RAW brut en sortie d'appareil - Image terne / voilée, contrastes faibles

À notre droite, le JPG

• Compressé et préparé par votre appareil.
• Ne nécessite bien souvent aucune modification
• Peut être modifié, mais souvent de façon destructive. Chaque édition réduit la qualité de l’image.
• Format standard, lisible par tous les programmes d’imagerie sur le marché.
• Exactement 8 bits par couleur
• Compressé pour un gain de poids, à la manière d’un MP3 ou d’un Zip
• Fichier de taille très réduite. Un appareil de 12 megapixels produira une image de 4 Mo environ
• Contient moins d’informations dans les basses et hautes lumières (informations perdues lors de la compression)
• Immédiatement imprimable, partageable sur le web…

Jpg sans traitement - Bons contrastes, ne nécessite pas de traitement

Maintenant que nous connaissons un peu mieux nos deux formats, il s’agit de déterminer lequel utiliser de préférence.

Prendre vos photos en RAW

Le poids des fichiers RAW pouvait être un frein à son utilisation il y a quelques temps, mais compte tenu de la capacité des cartes mémoire récentes, ce n’est plus vraiment le cas.
Le principal point à retenir concernant la prise de vue au format RAW est que votre photo devra obligatoirement passer par votre ordinateur pour être utilisable. L’utilisation de ce format vous offrira beaucoup plus de possibilités et de contrôle sur le rendu final de vos photos. Vous pourrez même rattraper sans pertes certaines erreurs, comme une mauvaise exposition par exemple.

Souvenez-vous que le format RAW est non compressé, c’est à dire qu’il contient une quantité d’informations considérable qui vous permettra, lors du traitement, de jouer avec l’ensemble des réglages, notamment la balance des blancs, et ce, sans aucune perte de qualité, là ou le traitement d’un Jpg est destructif. Il est donc recommandé si vous faites un reportage, une séance photo en studio, ou tout simplement si vous souhaitez tirer le maximum de vos clichés. En contrepartie, il est effectivement moins souple que le Jpg et demandera un temps supplémentaire avant d’être utilisable. A noter que le RAW est obligatoire pour les amateurs de photographie HDR.

Les logiciels capables de traiter les Fichiers RAW sont nombreux maintenant : Photoshop, Lightroom, Picasa (gratuit), ACD see, Irfan View(gratuit), DXO Optics Pro…
Vous n’aurez donc aucun problème de ce côté là !

Prendre vos photos en JPG

Lorsque vous travaillez en JPG, le logiciel de votre appareil photo traite chaque cliché, le compresse, et l’enregistre à partir des informations reçues depuis le capteur. Certaines informations sont alors perdues, et parfois, un grain numérique apparaît. Ces infos perdues ne sont en aucun cas récupérables. Tout traitement que vous apporterez fonctionnera par extrapolation de votre cliché d’origine. Donc par la suite, chaque modification apportée à la photo réduira encore sa qualité (à l’exception de certaines utilisations de Photoshop depuis la version CS3, qui permettent un traitement non destructif de l’image). Pour de nombreuses utilisations, le JPG est amplement nécessaire et est beaucoup plus souple que son rival. De plus, si vous avez besoin de prendre des clichés en rafales, vous pourrez prendre d’avantage d’images/seconde en JPG puisque celui-ci est plus léger. L’utilisation du JPG est donc tout à fait justifié dans certaines circonstances. Plus rapide, plus facile, mais de moins bonne qualité et non corrigible sans perte de qualité.

RAW traité sans perte et exporté. Balance des blancs faites, récupération du contraste.

En conclusion

Nos deux formats ont bien entendu leurs avantages et leurs défauts, et chaque photographe aura un avis différent sur la question, c’est pourquoi il est difficile de trancher définitivement entre les deux. D’un point de vue personnel, je trouve le RAW plus adapté dans 80% des cas. En effet, en reportage, en balade ou en studio, je préfère  avoir la meilleure qualité d’image possible et pouvoir  traiter mes clichés sans perte de données supplémentaire, même si cela nécessite un passage par l’ordinateur (qui reste utile aussi avec le JPG). Le Jpg me paraît plus adapté pour les prises de vue « de tous les jours ». Photos souvenirs, soirées, repas de famille etc. pour lesquels sa simplicité d’utilisation est un atout et la qualité de l’image moins primordiale.

La meilleure manière de vous faire un avis reste de tester par vous-même si ce n’est déjà fait. Sortez, prenez quelques photos en RAW et JPG et traitez vos clichés. Comparez le rendu, le process, et vous verrez parfaitement les avantages et les inconvénients de chaque format. Suivant votre utilisation, votre choix se fera naturellement.

A vos appareils !

Jeremy Barré

Sources : Darren Rowse et son post en anglais sur le sujet, duquel sont tirés certains détails de l’article.

Dans ce rapide tutoriel, nous allons voir comment protéger de manière simple et automatisée vos Photos en y intégrant un « copyright », également appelé Watermark ou filigrane. L’utilité de cette pratique est souvent discutée mais on ne peut nier qu’elle prévient en partie de l’utilisation sauvage de vos photos sans crédits. Certains logiciels proposent des outils de gestion intégrés, mais nous allons découvrir comment créer un script entièrement personnalisé avec Photoshop en quelques minutes.

Tout d’abord, partons du principe que vous souhaitez utiliser une sélection de vos photos pour les publier sur votre site Web. Dans cette optique, il vous faudra d’abord retailler vos photos à un format standard (800px de large par exemple) puis y ajouter le Watermark.

Étape 1 : Sélection et copie de vos photos.

Cette étape est primordiale. Le script que nous allons créer automatise la modification et l’enregistrement de vos photos en modifiant leur taille et en y ajoutant votre Watermark. La première chose à faire est donc de sélectionner vos photos et de les copier dans un nouveau répertoire afin de ne pas toucher aux originaux.

Étape 2 : Ouverture d’une des photos et création du script.

Choisissez l’une des photos copiées dans le nouveau dossier (encore une fois, attention de ne pas travailler sur l’original) et ouvrez-là avec Photoshop.

Commençons par ouvrir la fenêtre des script. Menu « Fenêtre » –> « Scripts ». Afin d’organiser nos scripts, nous allons créer un dossier que nous allons appeler « Watermarking » en cliquant sur le dossier en bas de fenêtre et en indiquant le nom.

Maintenant que notre dossier est créé, nous allons créer un nouveau Script en cliquant sur « ajouter » (ici entouré en rouge). Nous allons appeler le Script  » Watermarking 800″ pour signifier que la photo définitive fera 800px de large. Nous pouvons imaginer ici avoir plusieurs script avec différentes tailles de rendu suivant vos besoins.

Maintenant que le script est créé, nous pouvons commencer à enregistrer (vérifier que le rond rouge d’enregistrement est actif). Tout d’abord, retaillons l’image au bon format.
Menu « Image » –> « Taille de l’image ». puis réglons 800px de large en nous assurant que la hauteur est bien liée.

Une fois l’image à la bonne taille nous allons créer un calque de texte que nous plaçons dans la photo. Pour cet exemple, j’utilise la police du logo Fill-in et une taille de caractère de 48points. Vous êtes libres ici d’effectuer vos propres choix et réglages.

Nous allons appliquer un léger traitement au calque de texte pour que celui-ci se fonde bien dans la photo et ne soit pas trop présent. Il s’agit ici de ne pas gâcher votre cliché. Le Watermark devra être très léger. Ici, je le garde bien visible pour les besoins de ce tutoriel.
Dans la fenêtre de calque, je vais utiliser le mode de fusion « incrustation » (entouré en rouge sur la photo). La police va ainsi prendre en partie les propriétés du fond sur lequel est est collée.

Afin d’aligner correctement nôtre Watermark, nous allons sélectionner les deux calques présents. Le fond + le calque de texte, puis :
Menu « calque »–> « alignement » –> « bord inférieur »  (selon vos préférences)
Menu « calque »–> « alignement » –> « bord gauche » (selon vos préférences)

Nous allons ensuite sélectionner le calque de texte puis le déplacer à l’aide des touches du clavier à droite puis en haut pour le placer à la distance voulue du bord du cliché.

Il ne nous reste plus qu’à aplatir l’image : Menu « calque » –> « Aplatir l’image »
Puis à enregistrer et fermer

Vous pouvez maintenant désactiver l’enregistrement. Votre script doit maintenant ressembler à celui de l’image ci-dessus :

1. Taille de l’image
2. Créer un calque de texte
3. Définir calque actif
4. Sélectionner calque arrière plan
5. Sélectionner calque « texte »
6. Aligner actif calque
7. Aligner actif calque
8. Sélectionner calque « texte »
9. Déplacement actif calque
10. Aplatir l’image
11. Enregistrer
12. Fermer

Rendez-vous dans votre dossier. Votre photo doit maintenant est Watermarkée et au bon format.

Étape 3 : Automatisation

Afin d’automatiser ceci sur un répertoire complet ou sur tous les fichiers ouverts, il suffit de vous rendre dans :

Menu « Fichier » –> « automatisation » –> « traitement par lot »
Choisissez le script que vous venez de créer (dans les deux premiers champs) puis la méthode désirée (source dossier ou images ouvertes)

Cliquez sur « OK », l’ensemble des fichiers seront traités de la même façon.

Vous venez de créer votre Watermark personnalisé et automatisé !
Et vous ? quelles sont vos méthodes ?

A vos appareils

Jeremy Barré

Initié et réalisé par le conservateur du prestigieux musée Georges Eastman House, Todd Gustavson,l’ouvrage « 150 ans d’appareils photo – Histoire de la photographie du daguerréotype au numérique », retrace l’épopée ?amboyante de l’appareil photographique, de sa création à nos jours.

Des inventions de Joseph Nicéphore Niepce à l’essor des ?chiers numériques, cet ouvrage nous raconte l’aventure de la photographie à travers les appareils qui ont fait l’histoire de ce medium révolutionnaire.

Des appareils d’une grande complexité technique, fruit du génie de leurs concepteurs, décennie après décennie, qui témoignent chacun à leur manière de leur époque.

Des appareils qui ont, très tôt, permis d’immortaliser les grands de ce monde comme les anonymes, de créer des archives publiques ou familiales aujourd’hui inestimables, et qui ont modi?é en profondeur notre manière de voir, de témoigner et de nous souvenir.

Des appareils, en?n, qui nous relient à un pan de mémoire intime ou partagé, et font aujourd’hui l’objet, pour les plus anciens d’entre eux, de collections recherchées.

Plus de 350 appareils photo parmi les plus mythiques des collections du Georges Eastman House sont présentés au ?l de ce bel ouvrage, émaillé d’une centaine d’illustrations, publicité et dessins d’époque.

Cet ouvrage est disponible aux éditions Eyrolles au prix de 45 euros pour tous les passionnés de photographie ancienne et contemporaine !

Plus de détails :

150 ANS D’APPAREILS PHOTO
Histoire de la photographie du daguerréotype au numérique de Todd Gustavson : 25 x 29 cm ; 376 pages, quadri, relié cartonné jaquette : 45 euros

Les vacances sont déjà bien entamées, et elles sont souvent l’occasion de ressortir les vieux appareils argentiques le « temps » d’une pellicule. Voici une petite explication sur la technique du f/16 qui facilitera peut être la vie de quelques photographes cet été.

Les anciens appareils sont bien souvent un vrai plaisir à utiliser mais sans cellule, les choses se compliquent un petit peu lorsqu’il s’agit de passer à l’action. que votre cellule soit HS, que vous n’ayez plus de batteries ou tout simplement que votre appareil n’en dispose pas, la règle du f/16 (Sunny f/16 Rule en Anglais) est une pratique très simple qui vous permettra de prendre des photos en toute confiance.

La règle du f/16 repose sur le postulat suivant : En plein soleil, avec le diaphragme fermé à 16 et avec une sensibilité de 100 ISO, votre temps d’obturation sera de 1/100ème de seconde (voici les seuls chiffres dont vous devez vous souvenir).

Scène : ensoleillée
Sensibilité du film : 100 ISO
Diaphragme : f16
Temps de pause : 1/100 ème

A partir de cette règle, vous allez pouvoir jouer sur l’ouverture du diaphragme et l’adapter aux différentes situations, sans changer les autres paramètres.

Sable blanc ou neige : f22
Ensoleillé : f16
Soleil voilé : f11
Nuageux clair ou contre-jour : f8
Nuageux sombre : f5,6

Si votre pellicule a une sensibilité différente, il suffit d’adapter les réglages en fonction :

Scène : ensoleillée
Sensibilité du film : 200 ISO
Diaphragme : f16
Temps de pause : 1/200 eme

Le temps de pause varie avec la sensibilité de la pellicule mais la règle d’exposition reste la même.

Avec un peu d’expérience, cette pratique se met en place très naturellement. N’ayez pas peur d’essayer, même par curiosité, les pellicules modernes sont assez tolérantes, vous ne risquez pas grand chose !

Le site 35mm-compact.com propose de télécharger un outil très pratique : la règle à calcul d’exposition… en papier. Ce petit outil à monter vous-même (version française s’il vous plait !) vous permettra de vous y retrouver très facilement et sans avoir à vous souvenir de la règle.

A vos appareils et à bientôt !

Jeremy Barré

Dans ce petit tutoriel, nous allons voir comment améliorer / mettre en valeur vos photos très simplement et rapidement avec Photoshop, et ce, sans altérer la qualité de vos clichés d’origine.

Avant de commencer, il est important de signaler que ce tutoriel se veut plus efficace avec les photos de paysages ou photos « brutes » sortant sans traitement de l’appareil ; photos ternes, ou manquant de reliefs, de contrastes.

Étape 1 : Duplication

Une fois ma photo d’origine chargée, je duplique le calque d’arrière plan : clique droit sur le calque puis « dupliquer le calque »

Étape 2 : Utilisation du mode « noir et blanc »

Je sélectionne mon calque fraîchement créé, puis me rend dans le menu « image » puis « réglage » puis « noir et blanc » (cette boite de dialogue n’existe que depuis CS3 il me semble, vous pouvez passer l’image en noir et blanc avec d’autres méthodes – voir cet article )

Ici, je choisis le mode de conversion qui mettra le plus en valeur ma photo. Suivant les couleurs dominantes, le mode de conversion peut complètement transformer l’image. Ne pas hésiter donc à effectuer plusieurs essais ! Pour cet exemple, j’utilise un réglage assez standard : « densité Neutre »

A noter qu’ici, vous avez un assez bon aperçu de ce qui sera mis en valeur dans votre photo modifiée.

Étape 3 : Un petit flou gaussien

Toujours sur mon nouveau calque (maintenant en noir et blanc) je vais appliquer un léger effet de flou. Pour ce faire : menu « filtre » puis « atténuation » puis « flou gaussien »

Je choisis un réglage assez petit (2 à 4 pixels en général) mais suivant les cas, il faudra peut être adapter.

Étape 4 : Et une belle ambiance tamisée

Toujours sur mon calque en noir et blanc (flouté de surcroit), je vais changer le mode de fusion en « lumière tamisée »

Étape 5 : Fignolage et comparaison

Une fois le résultat obtenu, je peux, bien entendu, encore agir sur le rendu. en utilisant le calque supérieur (celui que l’on a modifié), je vais pouvoir récupérer certains détails disparus. Le plus simple est d’agir sur la luminosité/contraste : menu « image » puis « réglages » puis « luminosité contraste« . Si nécessaire, je peux revenir avant l’étape de flou et agir à ce niveau, avant de rétablir mon effet.

Le fameux avant / après :

AVANT :

ET APRÈS …

Étape 6 : Conclusion

Cette méthode à plusieurs avantages : elle est très rapide, simple, et je garde une bonne maîtrise sur le rendu final tout en préservant la qualité de mon cliché. L’effet à pour effet d’adoucir l’ensemble de l’image en diffusant d’avantage la lumière (léger effet de halo), et en soulignant les contrastes.

A vos appareils, donc !

Jeremy

1. La division de l’image

La règle d’or

La règle d’or a été définie par un architecte romain, Marcus Vitruvius Pollio. Cette règle divise les espaces en parties inégales, selon des ratios bien préçis. L’œil humain trouverait une image rectangulaire esthétique selon certains rapports et certaines divisions de l’espace. Le ratio le plus esthétique équivaut à 0,618, c’est le nombre d’or.

Voici un rectangle ayant les dimensions préconisées par la règle d’or. On retrouve presque le ratio du format photo standard 10x15cm.

Les lignes de forces

En définissant des points à chaque intersection des rectangles dans l’image ci-dessus, on définit des lignes de forces horizontales, verticales et obliques. Celles-ci peuvent être utilisées pour composer une image.

Si l’on entrecoupe ces lignes, on définit alors d’autres lignes de forces

Les points forts

Si l’on applique la règle d’or à la photographie, on peut déterminer plusieurs lignes de forces. Les croisements de ces lignes correspondent aux points forts d’une image. C’est majoritairement sur ces points que les éléments principaux d’une photographie doivent être placés. Une composition utilisant les lignes de forces d’une image sera équilibrée et stable.

On peut naturellement subdiviser chacune des surfaces selon la règle d’or et ainsi obtenir des points forts secondaires sur lesquels on placera dans une composition les éléments secondaires.

Le schéma ci-dessous montre toutes les lignes de forces ainsi que les points forts primaires (en rouge) et secondaires (en bleu). Tous ces éléments peuvent donc être utilisés pour la composition d’une image.

On peut remarquer que le centre de l’image ne définit presque jamais l’intérêt premier d’une bonne photographie. En effet, toutes ces théories sont définies par le chemin que parcourt l’œil lorsqu’on voit une image pour la première fois. On peut rappeler qu’une image forte réussira à diriger l’œil de l’observateur sur le sujet principal et réussira à l’y maintenir.

Quelques exemples de compositions classiques

La dame en noir se situe sur un point fort de l’image et le bâtiment sombre est placé sur une ligne forte. Ces deux éléments de construction nous aide à garder nos yeux sur la dame en noir.

Sur ce portrait, l’œil du modèle est placé sur un point fort. Nous avons également la diagonale de son buste qui structure l’image.

Sur cette image, toutes les ligne convergent vers la femme, qui se trouve sur un point fort. Le contraste entre le noir de la robe et le blanc des marches garde notre regard sur la personne.

Cette composition est peut-être un peu moins classique car très symétrique. On observe néanmoins que la fleur et les silhouettes se trouvent au tiers de l’image. Cette composition est moins stable que les précédentes, et notre regard se promène entre les deux éléments : la fleur et les silhouettes.

Sur cette image, une ligne de force très marquée part du coin supérieur gauche pour guider l’œil vers un point fort situant à l’extrémité des bancs. On note également qu’un grand nombre de lignes se dirigent vers ce point. Le premier banc est également sur un point fort de l’image. Cette image est très stable car très structurée.

Sur cette image, on a un ligne oblique très forte qui coupe le photographie en deux. Les deux panneaux situés sur deux points forts représentent les sujets principaux de l’image. Cette image mériterait d’être tronquée pour enlever un peu de ciel pour retrouver une bonne composition théorique.

On peut naturellement voir en regardant des photos provenant de plusieurs artistes que ces règles sont aussi souvent appliquées que contournées. La création photographique doit se baser sur ces points mais aussi savoir s’en détourner pour éviter une monotonie et favoriser la création.

Il y a bien d’autres éléments de composition que je n’aborderai que dans des articles à venir. Nous verrons des éléments sur les angles forts, la symboliques des formes et la symbolique des couleurs qui sont également des éléments importants dans la création photographique.

A bientôt,

Baptiste Galea

Le HDR consiste Concrètement à fusionner plusieurs clichés classiques d’une scène pour obtenir le plus d’informations possibles sur les zones claires et sombres de la photo. Pour plus d’informations techniques à ce sujet, je vous invite à vous rendre ici. Avant de commencer ce petit tutoriel, voici une liste des éléments indispensables à la création de vos clichés HDR :

• Un appareil Photo numérique (reflex de préférence, gérant le format de fichier RAW)
• Un trépied
• Un ordinateur équipé de l’un des logiciels suivants : Adobe Photoshop, Lightroom, Photomatix ou Qtpfsgui

Pour ce tutoriel je vais utiliser Adobe Photoshop. Une seconde partie sera peut être consacrée à Photomatix un peu plus tard. (après quelques tests sur les différents logiciels, Photoshop CS3 me parait plus efficace.)

ETAPE 1 : LA PRISE DE VUE.

Même si vous êtes bien entendu totalement libres de choisir le sujet de votre photographie HDR, il y a toutefois quelques règles à respecter.

1. Le format de vos fichiers : il est conseillé de travailler au format RAW qui est un format non compressé et très bien pris en compte par la plupart des logiciels d’imagerie. Le poids des fichiers est bien plus important que celui des Jpg mais aucune compression n’est appliquée à l’image. Ce format est disponible sur les appareils numériques reflex ainsi que sur certains bridges et compacts hauts de gammes. Vous pouvez toutefois prendre vos photos en JPG si vous n’avez pas d’autre possibilité.
2. Prendre plusieurs clichés de votre scène : Voici le point le plus important pour réaliser des photos HDR. En effet, afin d’obtenir le plus de détails possibles, dans les zones sombres, comme dans les zones claires, il est essentiel de prendre au moins 3 clichés de votre scène. Le premier devra être sous exposé, le second exposé de façon optimale, et le troisième surexposé. Vous disposerez alors d’un maximum d’information pour votre photo finale.
3. Prise de vue : Tout d’abord, placez votre appareil sur un trépied. Il est essentiel que vos 3 photos soient cadrées de façon identique. Réglez maintenant votre appareil en mode manuel. Après avoir effectué la mise au point et réglé l’ouverture pour votre prise de vue, vous allez uniquement jouer sur sur la vitesse d’obturation pour qu’aucun des autres paramètres ne bouge entre vos photos. Sur la plupart des appareils reflex, un bouton carré avec un + et un – permet de faire varier l’exposition entre -2EV et 2EV ou -5EV et 5EV par exemple. N’oubliez pas de désactiver l’autofocus une fois la mise au point effectuée. Vous pouvez désormais prendre vos 3 clichés. Pour cet exemple j’ai choisis d’exposer la première à -2 EV, la seconde à 0EV et la dernière à +2EV. Vous êtes libres d’effectuer d’avantage de clichés si vous le souhaitez.

ETAPE 2 : LE TRAITEMENT SOUS PHOTOSHOP CS3

Nous allons maintenant importer les 3 clichés dans photoshop pour les fusionner et obtenir notre photo HDR.
Sélectionnez dans votre navigateur les 3 fichiers RAW concernés et faites-les glisser dans Photoshop. une boite de dialogue va s’ouvrir, vous donnant la possibilité de modifier vos fichiers lors de l’import. Vous pouvez effectuer ici les modifications que vous souhaitez mais n’oubliez surtout pas de synchroniser les clichés pour que les modifications soient appliquées de façon identique sur les 3 photos. Une fois vos réglages effectués, cliquez sur « tout sélectionner » puis « ouvrir les fichiers » en bas à droite.

Sélectionnez le menu « fichier » –> « automatisation » –> « fusion HDR »

La boite de dialogue qui apparait vous permet de sélectionner les photos que vous désirez fusionner. Si elles sont déjà ouvertes, il vous suffit de cliquer sur « ajouter les fichiers ouverts », puis de valider. A noter la présence d’une case à cocher « tenter d’aligner automatiquement… » qui permet de recaler les photos les unes sur les autres dans le cas d’un léger décalage lors de la prise de vue.

Après quelques secondes, une nouvelle boite de dialogue s’ouvre, vous présentant les résultat de la fusion avec vos différentes expositions. Le résultat ici n’est pas important. Vous pouvez valider.

Vous obtenez maintenant une photo codée en 32 bits. Celle-ci n’es pas du tout représentative du rendu final mais contient l’ensemble des informations des 3 clichés d’origine.

Pour obtenir le résultat souhaité, nous allons devoir passer cette image en 16Bits. C’est à cette étape que tout va se jouer. menu « image » –> « mode » –> « 16 Bits par couche… »

Une boite de dialogue s’ouvre, nous permettant quelques précieuses modifications. Dans la liste déroulante, nous allons choisir le mode « adaptation locale ». Pour cette photo j’ai placé les deux curseurs « rayon » et « seuil » au maximum mais vous pouvez tester différents réglages. En appuyant sur la double flèche vers le bas, je déroule le menu « courbe de virage et histogramme ». Nous allons ici pouvoir faire ressortir la totalité des informations par zones. Par exemple, sur ce cliché, je vais faire ressortir le ciel gris très foncé et garder une certaine luminosité sur la partie basse de l’image. Vous pouvez voir à cette étape, l’effet de vos modifications en temps réel sur la photo.

Une fois le résultat satisfaisant, vous pouvez valider. Maintenant il ne nous reste plus qu’à peaufiner en éditant les courbes par exemple. « image » –> « réglages » –> « courbes ». Vous pouvez enregistrer votre document en Tif ou PSD 16Bits ou revenir à une image 8Bits et l’enregistrer en Jpg.

Voici un second exemple de Photos HDR effectué pour l’occasion à partir cette fois de 3 Jpg pris il y a quelques mois.

A vos Appareils !

Jeremy Barré
(Photos : Jeremy Barré)